Cómo crear arte conceptual: 15 consejos de un artista de Marvel Studio
Vía https://www.creativebloq.com
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Publicado el 13 de octubre de 2024
He estado trabajando en Marvel Studios durante más de una década y he aprendido muchas cosas como artista conceptual y supervisor. Desde la creación de escenas enormes y épicas hasta el uso de herramientas aprendidas en el trabajo, he logrado utilizar los fundamentos que aprendí en la escuela en esta industria de ritmo rápido. (Consulta nuestra guía del mejor software de arte digital para herramientas de nivel profesional para impulsar tu proceso creativo).
Existe la vieja frase que todos hemos escuchado de alguna forma de que una jota de todos los oficios es un maestro de ninguno, pero a menudo mejor que un maestro de uno. Me encanta probar nuevas técnicas, incluso si eso significa que nunca dominaré nada al grado que quiero, y eso está bien. Aquí he reunido consejos que me han ayudado en mi carrera hasta ahora trabajando en Marvel Studios y en la industria del cine.
01. Trabajar con formas pequeñas, medianas y grandes
Cuando hago piezas de personajes, utilizo la idea de formas pequeñas, medianas y grandes, no solo en el diseño sino en la composición. La creación de diferentes formas para las figuras y formas ayuda a aportar variedad a la pieza. Siempre me cuesta usar esta idea porque mi cerebro quiere tener formas y tamaños similares de figuras, formas, etc. Siempre quiero mostrar todos los aspectos de cada personaje, pero a menudo menos es más.
02. Diviértete con los efectos
Me encanta poner líneas y gestos especiales en los efectos que creo. Estos gestos son la parte divertida de las piezas que hago. Trato de hacer que los efectos tengan una línea de paso que ayude a unir la pieza y crear emoción en ella. El diseño de personajes es la parte más importante del proceso, pero los efectos son geniales. Hacer estos efectos es como el helado que me tomo después de un duro entrenamiento.
03. Utilizar software 3D para entornos
Las tomas interiores son difíciles de ilustrar. Cuando tengo que lidiar con personas, objetos y múltiples puntos de fuga, utilizo herramientas 3D para hacer un lay-in de la configuración, además de lo que creo que sería un dolor de cabeza para averiguar el tamaño y la posición del entorno. Tengo que recordar que el software es una herramienta y que todavía tengo que hacer una escena que muestre el estado de ánimo adecuado. Sin embargo, saber que no tengo que preocuparme mucho por la ubicación y la perspectiva de la habitación me ayuda mucho.
04. Tener un ancla para la legibilidad
Para estas tomas en Ant-Man and the Wasp, el entorno no era nada relacionado con nuestro mundo, así que tuve que asegurarme de que hubiera un ancla, en este caso nuestro personaje principal. Tener un personaje dentro de una escena hace que la escala y la perspectiva sean fáciles de entender. También separé mucho el primer plano del fondo para crear una sensación de profundidad y hacer que la imagen fuera lo más legible posible.
05. Experimenta con el color y las formas
Cuando se me da la oportunidad de pensar fuera de la caja, ¡me gusta ir a por todas! Pruebo un montón de ideas diferentes y muchas de ellas no funcionan, pero algunas que hacen la calificación son geniales. Me encanta jugar con combinaciones únicas de colores y formas para ver qué se pega. Puede dar miedo experimentar con ideas y combinaciones de colores que pueden verse mal si estuvieran pensando tradicionalmente, ¡pero a quién le importa! Los probaré de todos modos.
06. Combina colores cálidos y fríos
Recuerdo mis clases de pintura de paisajes donde me enseñaron todo sobre refrescos y calores; colocando un color fresco y pensando en dónde poner uno cálido para complementarlo. Traigo esa idea a mi trabajo conceptual de maneras sutiles, y otras veces muy obvias. Conocer estas ideas fundamentales y encontrar formas de incorporarlas en mis conceptos es un desafío, pero a menudo el resultado es una pieza con la que estoy contento.
07. Encuentra gestos para dirigir la mirada
Cuando hago ilustraciones complejas que muestran algo emocionante, me resulta fácil perder la concentración y tengo que recordar preguntarme cuál es la idea principal de la ilustración. El gesto es una idea clave que utilizo para mantenerme en el buen camino. Puede ser simple o complejo siempre y cuando dirija la vista en una dirección lógica. Utilizo iluminación, líneas de acción con ropa suelta, poses y línea de ojos, y cualquier otra cosa que mantenga el ojo moviéndose alrededor de la pieza y de vuelta a la idea principal.
08. Hacer puntos focales
Cuando creo fotogramas clave con varios personajes principales, tengo que asegurarme de que cada uno de ellos esté resaltado sin dejar de recordar crear una jerarquía visual. Lo que eso significa es que algunos podrían colocarse en primer plano y otros en el medio o incluso en el fondo. Debido a esto, cada personaje tiene algo especial que atrae tu atención hacia ellos.
Piensa diferente.
Cuando creo un concepto, tengo que pensar en la forma más sencilla de mostrar mejor la idea. En este ejemplo, quería que el ojo rodeara al personaje, así que hice un motivo circular para atraer a mi público y mantenerlo allí. Me gusta encontrar una forma simple y tratar de verla desde el dibujo inicial o esculpirla hasta el renderizado y la pintura terminados.
10. Considera cómo construyes la complejidad
Una vez que tengo una idea simple, comienza la difícil tarea de encontrar formas de añadir complejidad manteniendo la simplicidad de los conceptos. Con cada nuevo gesto, expresión, efecto y detalle, más de la historia que estoy creando. Pero también necesito preguntarme si complementa la simplicidad del concepto, o si estas complejidades simplemente enturbian las aguas. A veces la respuesta es no, a veces es sí. Alinear esas complejidades con el concepto simple del boceto inicial es una parte divertida y frustrante del trabajo.
11. Prueba nuevas ideas
Para el diseño de los Desviantes en Eternos, quería probar algo nuevo y, para ser honesto, no sabía si estaba perdiendo el tiempo. Estos intentos de un concepto son arriesgados, pero sentí que tenía que tratar de pensar lateralmente desde mis formas normales de diseñar. En lugar de pensar anatómicamente, pensé en cómo un alienígena construiría un brazo únicamente a partir de partes similares a espaguetis. Extraño, lo sé, pero ¿por qué no?
12. Encuentra inspiración en tus propias experiencias
Cuando creo personajes, como lindos robots araña como este, no puedo evitar inspirarme en el mundo. Claro, no tengo arañas como mascotas, ni tengo niños con ojos azules brillantes, pero noté cómo se ven mis hijos cuando prestan atención o son traviesos. Noté cómo un simple botón en mi teléfono hace que se vea sofisticado y amigable, que puse en una forma similar en la pierna. Me di cuenta de cómo los bulldogs franceses tienen una postura linda pero dura, que puse en uno de los diseños iniciales. Mira a tu alrededor e inspírate en el mundo; ¡está en todas partes!
13. Organízate con una perspectiva de un solo punto
Para tomas ocupadas como esta donde tengo una multitud, spiderbots, huevos de pascua ocultos, un desastre en la mesa, bocetos en las paredes y mechs, tengo que organizar mis pensamientos. A veces, un solo punto de vista (POV) es muy útil para esto. Hace que el sujeto sea fácil de encontrar, y en la altura y el tamaño correctos. Además de esto, elementos como luces largas, accesorios y tuberías crean flechas que apuntan al sujeto gracias a la perspectiva simple y directa de un solo punto.
14. Haz bocetos durante el descanso
Supongo que esto sería el equivalente a la meditación artística. Realmente no me importa si estos bocetos son buenos o malos. Son para mí, y eso es todo. En algunas pausas para el almuerzo o cuando sé que estaré esperando un tiempo, recibo algunos bocetos. Aprovecho este tiempo para esbozar lejos de las demandas del trabajo y dejar que mi pensamiento artístico entre en un estado meditativo. Estos bocetos son una forma de relajarse y pensar de manera diferente a cómo Id trabaja en los conceptos. Hacer un reset es algo bueno para los artistas.
15. Crea un ambiente para el personaje
Para las piezas de diseño de personajes, quiero mostrar lo que el personaje significa para el programa y para mí. Para esta, quería una sensación de mal humor que hiciera que la audiencia se sintiera un poco desanimada e intimidada. Es por eso que incliné la perspectiva, hice que el personaje mirara hacia abajo al espectador y situé el contraste más alto lejos de la cara, lo cual es una colocación inusual.
Este artículo apareció originalmente en ImagineFX. Suscríbete a ImagineFX para no perderte ningún problema. Suscripciones impresas y digitales disponibles
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